sábado, 28 de octubre de 2017


ARTES TECNOLÓGICAS:

El arte y la tecnología son dos rostros de la creatividad humana, dos que además se encuentran estrechamente relacionados, a pesar de las diferencias que en apariencia tienen entre sí. Aquello que hace el arte en no pocas ocasiones se ha logrado gracias a un desarrollo técnico específico, una tecnología cuya existencia permite al artista hacer o dejar de hacer determinada obra. Sí lo condiciona, pero posiblemente también lo incita a trascender esas limitaciones. Igualmente, no son pocos los casos en que los desarrolladores de tecnología se inspiran en el arte para generar nuevos artefactos que faciliten o mejoren nuestra vida cotidiana.


En este sentido, la relación entre una y otra actividad humana podría encontrarse en prácticamente cualquier época, pero sin duda es en tiempos recientes cuando la tecnología posee una presencia, tan persistente, de algún modo tan ineludible, que el arte se ha encargado de incorporarla a sus procesos, tanto como un recurso, un instrumento, como parte del examen de la realidad contemporánea, cuando muchas de nuestras prácticas e interacciones pasan casi necesariamente por un dispositivo tecnológico.

Así, de alguna forma se cumple el ideal profesado por Nietzsche sobre la necesidad de transformar la vida en una obra de arte, pero esta vez por la vía de los dispositivos tecnológicos que llevamos en nuestro bolsillo.

"El Muralismo Mexicano"


Los tres muralistas
El muralismo nació en un momento en el que el marximo estaba en plena ebullición. Los ideales marxistas estaban muy presentes en los países latinoamericanos y en México en particular que había vivido su revolución en 1910.
Comenzó así un proceso en el que se quería acercar el arte al pueblo retomando el arte autóctono, azteca y maya dejando de lado el academicismo europeo que era el que imperaba hasta ese momento.
En 1922 se fundó el Sindicato de Pintores, Escultores y Obreros Intelectuales , desde el cual se apoyaba la importancia de la comunidad frente a la individualidad que se había dado en la América precolombina, reivindicando el cambio de las bases de la economía mexicana sobretodo en lo referente a la propiedad de la tierra , tal como preconizaba la revolución de 1910.
Después de un proceso en el que cada vez más desde el gobierno se apoyó la identidad nacional, José Vasconcelos, Secretario de Instrucción Pública, cedió espacios públicos para que los artistas Diego Rivera, José Clemente Orozco y David Siqueiros entre otros, pudieran realizar murales que pudieran contemplar todas las personas, incidiendo mucho en las clases trabajadoras que no tenían posibilidad de acceder a la cultura. Así en 1922 se inició la andadura del muralismo mexicano decorando la Secretaría de Educación y la Escuela Nacional Preparatoria.
Los murales tenían gran tradición en la América precolombina, recordemos los murales de Teotihuacan por lo que no extraña que retomaran este tipo de arte al intentar un renacimiento del arte indígena. Se trataba de aleccionar al pueblo a través de los murales tal y como había ocurrido en el pasado.
Diego Rivera( 1886-1957), había estudiado en Italia a los muralistas del Renacimiento, especialmente a Giotto, que le influyó en la utilización de tintas planas y en su estilo narrativo. Rivera sugería las formas y volúmenes mediante las aplicaciones de juegos de contrastes entre las luces y las sombras. Como sus compañeros trató de captar en su obra la esencia mexicana.
Surrealismo

El Surrealismo o superrealismo es un movimiento artístico y literario surgido en Francia a partir del dadaísmo, en el primer cuarto del siglo XX en torno a la personalidad del poeta André Breton. Buscaba descubrir una verdad, con escrituras automáticas, sin correcciones racionales, utilizando imágenes para expresar sus emociones, pero que nunca seguían un razonamiento lógico.

En el surrealismo el arte se concibe como una forma de olvidarse de la realidad y buscar una manera de que el hombre se encierre en sí mismo; por algo su significado se deriva de dos raíces griegas: sub, que significa por debajo, y realismo que implica lo que realmente es, o sea, la realidad.

Esta tendencia busca inspiración al interior de la misma mente del artista y se olvida del pensamiento racional, porque la realidad no sirve para poner de manifiesto este nuevo sentido del arte. El tema del pintor no se halla delante de él cuando lo pinta, el material proviene de experiencias pasadas y de objetos vistos con anterioridad, cambiados y reagrupados después de un largo período de sumersión en el inconsciente. Su verdadera realidad es aquella que no se ve, es decir, la que esta inmersa en los sueños y el inconsciente. Es por esta razón que el surrealismo es uno de los géneros del arte más difíciles de entender, porque la subjetividad es lo que hace posible la creación del artista.

El dibujo es importante con el fin de exponer los sueños con claridad, los detalles son un elemento más de la obra. Los colores se mezclan en sus más variadas formas, pero lo principal es el detalle de los dibujos y la manera irracional en que éstos se colocan en el espacio, creando una belleza plástica innegable.

Dadaísmo

El dadaísmo se caracterizó por el empleo de materiales no convencionales con intención provocadora, como la obra llamada "Fountain"de Marcel Duchamp (1917). El dadaísmo fue un movimiento antiarte que surgió en Zúrich (Suiza) en 1916 iniciado por Tristan Tzara,que se caracterizó por sentimientos de protesta contra convenciones literarias, una actitud de burla total por las manifestaciones artísticas literarias, por gestos y manifestaciones provocadoras en las que los artistas pretendían destruir todas las convenciones con respecto al arte, creando una especie de anti-arte o rebelión contra el orden establecido en aquella época de comienzos y mediados del siglo XX, en los periodos de la primera y comienzos de la Segunda Guerra Mundial.
 
Fue una oposición al pasado violento de la Primera Guerra Mundial. Por definición, cuestionan el propio dadaísmo.Dadá se manifiesta contra la belleza eterna, contra la eternidad de los principios, contra las leyes de la lógica, contra la inmovilidad del pensamiento, contra la pureza de los conceptos abstractos y contra lo universal en general. Propugna, en cambio, la desenfrenada libertad del individuo, la espontaneidad, lo inmediato, actual y aleatorio, la crónica contra la intemporalidad, la contradicción, el no donde los demás dicen sí y el sí donde los demás dicen no; defiende el caos contra el orden y la imperfección contra la perfección. Por tanto en su rigor negativo también está contra el modernismo, es decir, el expresionismo, el cubismo, el futurismo y el abstraccionismo, acusándolos, en última instancia, de ser sucedáneos de cuanto ha sido destruido o está a punto de serlo.


Abstraccionismo Lírico

"Abstraccionismo"


La abstracción lírica o cromática:
Utilizando la expresividad y simbolismo de los colores, revela el estado emocional del pintor, trasladándolo al espectador. Así aplicará tonos arrebatados en momentos de exaltación, o planos desvaídos con contornos difusos cuando lo agobia la incertidumbre.

Su principal representante (y precursor) es el ruso Wassily Kandinsky (1866-1944), que explica claramente su paso al abstraccionismo: “Una mañana, al entrar en mi estudio, advertí la presencia de un cuadro indeciblemente bello y que jamás creía haber visto antes. Me aproximé y vi que no era sino una de mis propias pinturas en el momento en que, recibiendo la luz del sol, se perdía la sustancia del asunto, en tanto los colores obtenían un brillo inédito”.
Otro claro exponente es Robert Delaunay, de paso previo por el cubismo, y que basó su obra en un continuo desarrollo de luz y color, dotando su obra de una gran luminosidad.
Abstraccionismo Geométrico
La abstracción geométrica:
Se basa en una simplificación y ordenación matemática de los colores y formas apoyándose en la geometría. Es un rompimiento con lo figurativo para poblar la obra de significados. Trazando líneas horizontales, verticales o diagonales, y planos que van de lo colorido a lo monocromático, lleva al espectador a pensar que hay una mensaje o denominador común en al obra.

Entre sus fundadores podemos mencionar a Casimir Malevich (1878-1935) surgido en el fauvismo y con un breve paso por el cubismo. Malevich bautiza su creación como suprematismo, el cual formula la preponderancia de la sensibilidad pura en la obra. Sintetiza toda la pintura, limitándola a un cuadrado negro plasmado sobre un lienzo.

Otro claro referente de esta variante es Piet Mondrian (1872-1944). Discípulo de Picasso, establece compartimentos en forma de cuadrados y rectángulos en el cuadro, divididos por gruesos trazos lineales en sentido horizontal o vertical, para luego colorear estos compartimentos con tonos uniformes.

Fases del cubismo

 El cubismo fue dividido en tres fases:
  • Cubismo cezaniano (1907-1909): se caracterizó por la influencia de los trabajos del artista plástico Paul Cézanne.
  • Cubismo analítico o hermético (1909 a 1912): se identificó con la descomposición de formas y figuras geométricas para reordenarlas de una forma diferente, en planos sucesivos y superpuestos.
  • Cubismo sintético (1911): se caracterizó por el uso de colores y formas predominantes que permitían realizar la parte más significativa de la figura. Los pintores de esta etapa buscaron plasmar figuras reconocibles, utilizaron el método del collage, fijando los objetos reales en la tela permitiendo fijar las sensaciones visuales que la pintura insinuaba.

Principales pintores cubistas

Los mayores representantes de la pintura cubista son:
  • Pablo Picasso (1881-1973)
  • Georges Braque (1882-1963)
  • Diego Rivera (1886-1957)
  • Tarsila do Amaral (1886-1973)

Cubismo:

El cubismo fue una de las vanguardias artísticas europeas que surgió en el siglo XX, y puede ser considerado como el primer movimiento artístico en romper con los modelos estéticos que valorizaban la perfección de las formas. Como tal, desapareció con la perspectiva y representó la realidad integral en formas geométricas, con predominio de las líneas rectas modeladas básicamente por cubos y cilindros.
El surgimiento del cubismo fue en 1907, con la pintura Les Demoiselles d' Avignon (Las damas de Avignon) del pintor Pablo Picasso, con influencias visibles en el arte africano y de las pinturas post-impresionistas del francés Paul Cezanne.

Características del cubismo
El cubismo dejó a un lado la perspectiva tradicional y representó la naturaleza por medio de figuras geométricas, representando los objetos en todos sus ángulos en el mismo plano, constituyendo una figura en tres dimensiones con el predominio de superficies y líneas rectas, formadas básicamente por cubos y cilindros.
 El cubismo fue considerado como un arte que privilegiaba el ejercicio mental como la manera de expresar las ideas, al dejar abandonada la perspectiva de las líneas de contorno, la naturaleza pasó a ser retratada simplificadamente, lo que permitió mayor abstracción sobre los atributos estéticos de la obra, al mismo tiempo que recusó la idea de arte en cuanto a la imitación de la naturaleza.
EXPRESIONISMO

El Expresionismo carece de un centro geográfico único: aunque los países germánicos sean su centro, encontramos manifestaciones expresionistas nórdicas, flamencas, francesas y españolas.
Cada grupo o artista trabaja con independencia de los demás, y ello explica su diversidad de tendencias, que van del exagerado colorido de la primera generación hasta las tendencias abstractas.
Se desarrolla en todas las artes (poesía, teatro, música, artes gráficas) y no hay en sus autores un compromiso político claro: hubo artistas socialdemócratas, comunistas, anarquistas y nazis. Pero todos ellos coincidieron en ensalzar la libertad individual, el irracionalismo y el pesimismo.
Prima la expresión de la subjetividad frente a la objetividad impresionista, optan por la aplicación violenta de la pasta cromática y por una temática de lo morboso, lo prohibido y lo fantástico.
      

UNIDAD IV
EL SALTO AL SIGLO XX"

arte a finales del siglo XIX;

LA PINTURA DEL SIGLO XIX. EL ROMANTICISMO.

LA PINTURA DEL SIGLO XIX: EL ROMANTICISMO.
El Romanticismo es hijo de un contexto histórico
La Revolución francesa, las guerras napoleónicas que azotan Europa y la crisis interna de los sistemas de Antiguo Régimen, provocan la pérdida de la fe en la Razón. Como reacción, aparece una nueva sensibilidad que se caracteriza por conceder un valor primordial al sentimiento, la exaltación de las pasiones, la intuición, la libertad imaginativa y al individuo. El romanticismo es, ante todo, una manera de sentir.
El Romanticismo se opone al carácter encorsetado de la pintura académica, rompiendo con las reglas de composición. Su temática busca la evasión, los lugares lejanos y las épocas pasadas. Algunas causas como la guerra de la independencia griega gozan de un gran predicamento entre los románticos. Entre sus máximos exponentes se encuentran los franceses Géricault y Delacroix, los ingleses Constable y Turner, que anticipa el impresionismo, y el germano Friedrich.
La pintura romántica: características generales. La pintura romántica rechaza las convenciones neoclásicas y sus rígidas reglas; supone un momento de renovación técnica y estética de importantes consecuencias para el futuro:

• Utiliza diferentes técnicas: el óleo, acuarelas, grabados y litografías.
• La textura comienza a ser valorada en sí misma y aparecen las superficies rugosas junto con las formas más sutiles. La pincelada es libre, viva y llena de expresividad.
• Desaparece la línea frente al color. Se recupera la potencia sugestiva del color, liberándose las formas y los límites excesivamente definidos. Es el agente emocional de primer orden
• La luz es importantísima y se cuidan sus gradaciones dando un carácter efectista y teatral.
• Las composiciones tienden a ser dinámicas, marcadas por las líneas curvas y los gestos dramáticos. Algunos autores como Friedrich prefieren esquemas geométricos más reposados.
• En cuanto a los temas lo característico es la variedad, aunque existen características generales sobre el tratamiento de los temas.

viernes, 27 de octubre de 2017

Sus principales características son:
Reproducción exacta y completa de la realidad social. Todos los temas pueden ser objeto de atención por parte del escritor, desde los más heroicos hasta los más humildes.

Las obras reparten su atención por igual a los personajes y a los ambientes sociales (preferentemente urbanos, y minuciosamente descritos).
Saca a la luz los pensamientos más íntimos de sus criaturas y no duda en dirigirse al lector para comentar sus comportamientos
El estilo sobrio, preciso y elaborado.
Las acciones de las novelas responden a hechos verosímiles localizados en lugares concretos y reales.
El Paisaje realista.
El principal artífice del cambio fue Corot y tras él la escuela de Barbizon, cuyos pintores intentan plasmar en la tela la realidad del paisaje francés. Corot no se deja llevar por la interpretación de la naturaleza propia de los románticos, sino que ve la naturaleza tal como es.

La Escultura Realista.
Se caracteriza por ser la más ajustada aproximación a lo natural,el principal representante de la corriente realista-impresionista fue Auguste Rodin.

Los artistas realistas:
Jean-François Mollet (1814-1875) es una de las figuras más discutidas del realismo francés. Su pintura tiene un atractivo indudable que le ha hecho ganar el favor del público.

Honoré Daumier (1808-1879) es otro de los grandes del arte realista. Era pintor, escultor y caricaturista, y en todas sus facetas se mostraba como un observador agudo de la realidad dispuesto a criticarla con dureza, aunque también con un punto de ternura.

El Realismo;


El realismo surge después de la revolución francesa de 1848. El desencanto por los fracasos revolucionarios hace que el arte abandone los temas políticos y se concentre en temas sociales.
El realismo surge después de la revolución francesa de 1848. El desencanto por los fracasos revolucionarios hace que el arte abandone los temas políticos y se concentre en temas sociales.
El concepto de realismo´ ofrece una amplitud significativa difícil de precisar en sus límites, pues la captación de la realidad inmediata y su plasmación en una obra es una tendencia que recorre toda la historia del arte.
ROMANTICISMO"

se caracteriza por la creación de obras profundas e íntimas y su lema como movimiento cultural es la libertad en todos sus frentes.
En el mundo de la literatura, el Romanticismo fue un movimiento cultural que se produce al final del siglo XVIII, pero que no termina de establecerse del todo en la cultura, hasta el siglo XIX y partiendo de varios países europeos.
El romanticismo en España es tardío y breve ya que el realismo tuvo mayor fuerza y predominó desde mediados del siglo XIX.  Así que podríamos considerar que el romanticismo literario se desarrolla desde en la primera mitad del siglo XIX y el posromanticismo hasta la década de los 70 del siglo XIX. El romanticismo literario español es confuso y complejo. Se pueden considerar dos tipologías en la literatura: el romanticismo tradicional y el liberal. El romanticismo tradicional defiende valores tradicionales normalmente asociados a la Iglesia y a la Patria. Y el romanticismo liberal o revolucionario se apoya en el historicismo y la dialéctica hegeliana.

ARTE NEOCLASICO"


El Neoclasicismo fue un movimiento estético y artístico, de los primeros movimientos revolucionarios que sacudieron a toda Europa a partir de mediados del siglo XVIII y hasta el siguiente siglo. Surgió con el pensamiento de oponerse a la estética ornamental y recargadísima del movimiento Barroco, al que sucedió.

La arquitectura neoclásica;

Puede ser clasificada como una ramificación de las artes morales y sociales. Por esta razón, destacan las construcciones y edificios que tiene como fin poder mejorar la calidad de vida humana como por ejemplo los teatros, bibliotecas, museos, parques, hospitales, entre otros edificios que tiene una naturaleza monumental. Esta nueva tendencia hace que se rechace el
Con este nuevo desarrollo se crean nuevas ideas y movimientos entre ellos destacamos la crítica que defiende la funcionalidad que tienen dichas construcciones y además defiende también la necesidad de construir un edificio que no solo sirva para decorar el entorno sino que además sea constructivo y con una oficio practico y fundamental. Todas estas nuevas ideas crean una nueva imagen e idea de la arquitectura, es decir, la arquitectura de verdad es aquella  que se construye con sentido común . Sin embargo, durante el periodo neoclásico aparecieron unos nuevos arquitectos denominados como utópicos, innovadores e idealistas que pasaron a representar las construcciones basándose en las formas geométricas. Estos grupos traen como consecuencia una tercera clasificación de arquitectura llamada “arquitectura pintoresca” en el siglo XVIII.

Escultura neoclásica;

La escultura neoclásica se trabajaba, principalmente con varios materiales pero el más destacado siempre fue el mármol blanco, no eran demasiado llamativas ya que querían darle un aire de esculturas con gran antigüedad y por ello lo que destacó de la escultura neoclásica fue la sencillez y la tranquila belleza que tenían sus obras. Los temas más destacados de la escultura en estos siglos fueron el desnudo y el retrato que tomó un importante lugar en la escultura neoclásica.

arte neoclasicoPintura neoclásica;

Entre la pintura neoclásica podemos destacar a un gran artista llamado Jacques-Louis David, tanto este artista como otros pintores intentaban imitar imágenes de la revolución y realzaron los mitos romanos. La luminosidad estructural y el dominio del dibujoson las principales características de la pintura neoclásica
La arquitectura barroca;
En el arte barroco la arquitectura va frecuentemente unida al urbanismo. Hay diferentes construcciones muy destacadas como el palacio, un típico edificio de vivienda urbana para las familias poderosas; el hotel que era un tipo de vivienda unifamiliar libre y burguesa, rodeada de jardines; el templo que era un lugar del sermón y la eucaristía.
El arte barroco  desarrollará un estilo claramente recargado y detallista, opuesto en gran modo a la simpleza del estilo renacentista. La característica principal de la arquitectura de este periodo son las líneas curvas que crean un efecto de expresividad y de dinamismo, buscando la utilización de todo el espacio disponible con elementos como la curva y la contra curva, además de las increíbles decoraciones escultóricas que no dejaban espacio sin rellenar. Con esta nueva característica en esta etapa las fachadas toman el papel principal en la arquitectura y con ello aparecen numerosas columnas y cornisas. De forma que en esta etapa la arquitectura se podría considerar un estilo de decoración arquitectural. Por ello, en este periodo la arquitectura destaca por sus superficies de forma ondulada, sus conexiones interrumpidas y sus plantas ovaladas.

Artistas más destacados en la pintura barroca;

arte barroco mueblesJosé de Ribera: nacido en el 1591. Sus temas preferidos son las escenas de martirio y penitentes con un estilo tenebrosa muy dramático con un gran realismo, sus obras toman un gran realismo con un dominio del dibujo y el color extraordinario, como ejemplo tenemos la Piedad. Más tarde tendrá un estilo iluminista, como ejemplo tenemos la Inmaculada. Ver biografía de José de Ribera 
Diego Velázquez: nació en el 1599. Su primera etapa fue tenebrista y realizó bodegones de gran realismo como la Vieja friendo huevo, El aguador. Felipe IV le nombra pintor de cámara y se dedica a pintar retratos, temas mitológicos, cuadros históricos y paisajes. Tiene un dominio magistral de la perspectiva aérea, de la luz, del dibujo y el colorido brillante con pinceladas sueltas. Como ejemplo tenemos Los borrachos, La Venus del Espejo, Las hilanderías, pero su obra maestra fue Las Meninas. Puedes ver la biografía de Velazquez
Francisco de Zurbarán: nacido en el 1598. Su estilo es tenebrista y pinta temas religiosos de composición simple y estática, usa un dibujo firme con un gran estudio del volumen y con un rico colorido. También pinta bodegones ascéticos, místicos y retratos a lo divino de santas,  como ejemplo tenemos la Santa Casilda y Santa Margarita. Puedes ver aquí la biografía de Francisco de Zurbarán

La escultura barroca;

arte barrocoEn el arte barroco los temas tienden a ser más profanos, mitológicos, en donde el desnudo adquiere particular importancia, la escultura se vuelve urbana, aparecen en las calles, plazas y fuentes, integradas con la arquitectura.
La escultura en el periodo barroco toma una gran importancia decorativa, esa importancia se da al gran dinamismo y movimiento que sufre. Las obras de arte representan pasiones lentas, violentas y exaltadas, con estas representaciones se da gran importancia a los temas heroicos y además se introduce nuevos temas como los temas morales y religiosos. Se caracteriza por su fuerza y su monumentalidad, su movimiento compositivo, su dinamismo, proyectado hacia fuera, sus composiciones diagonales, su expresividad y su tratamiento de la ropa. Su principal material para escultura será la madera policromada y además se caracterizarán por un gran realismo, aunque los principales clientes de los artistas serán las Iglesias y es por eso por lo que predominarán los temas religiosos.

La pintura barroca;

Los artistas del barroco plasma la realidad tal y como la ven, con sus límites imprecisos, sus formas que salen y entran, los objetos de primer plano intrascendentes, los escorzos y las posturas violentas, y las composiciones diagonales que dan a la obra gran dinamismo. Los temas más usados eran los religiosos, escenas de santos, mitológicos, el retrato, tanto el individual como el de grupo, y surge como tema nuevo el bodegón.

Origen del arte Barroco;


El arte Barroco surgió como un estilo promovido principalmente por la Iglesia Católica, ya que las ideas reformistas y racionalistas intentaban dejar de lado la religión no sólo en los espacios artísticos si no también en el vivir cotidiano de los individuos.
Para hablar del origen del arte barroco tenemos que diferenciar dos cosas: las causas políticas y religiosas y las causas psicológicas y sociales.

Características del arte barroco;

  • Representación de sentimientos y emociones más que por la mera imitación de la realidad que rodeaba a los artistas de la época.
  • Las obras en el arte barroco  incluyen temáticas religiosas que habían sido dejadas de lado por el Renacimiento y buscan representarlas de manera altamente expresiva.
  • Tienen un fuerte sentido del movimiento, la energía y la tensión.
  • Fuertes contrastes de luces y sombras realzan los efectos escenográficos de muchos cuadros, esculturas y obras arquitectónicas.
  • Una intensa espiritualidad que aparece con frecuencia en las escenas de éxtasis, martirios y apariciones milagrosas.
  • La insinuación de enormes espacios es frecuente en la pintura y escultura barrocas; tanto en el renacimiento como en el barroco, los pintores pretendieron siempre en sus obras la representación correcta del espacio y la perspectiva.
  • El naturalismo es otra característica esencial del arte barroco; las figuras no se representan en los cuadros como simples estereotipos sino de manera individualizada, con su personalidad propia.
  • Los artistas buscaban la representación de los sentimientos interiores, las pasiones y los temperamentos, magníficamente reflejados en los rostros de sus personajes.
  • La intensidad e inmediatez, el individualismo y el detalle del arte barroco hicieron de él uno de los estilos más arraigados del arte occidental.
  • Los edificios solían construirse con materiales pobres pero resaltando la majestuosidad y la monumentalidad de la obra.
UNIDAD III
"DEL BARROCO AL IMPRESIONISMO"

ARTE BARROCO;



¿Qué es el Arte Barroco?

En la actualidad, el arte barroco se considera una de las mayores declaraciones artísticas que abarcaba diversos movimientos, tanto el político y religioso como el social. Como la gran mayoría sabrá, el arte barroco es una continuación de un movimiento artístico denominado manierismo italiano que abarca hasta la mitad del siglo XVI.
El barroco como movimiento artístico, es reconocido como uno de los estilos artísticos más complejos que abandona toda aquella serenidad clásica, que por otro lado caracterizaba al manierismo, y comienza a manifestar en sus obras la agitación y el movimiento de todos los sentidos. Por esta simple razón, al arte barroco se le considerará una tendencia de ostentación y exageración.
Se creó en la época del renacimiento y anterior al neoclasicismo. Comenzó a popularizarse en Italia y luego se extendió hacia el resto de Europa.
El Barroco es un movimiento cultural, un estilo  artístico desarrollado entre el siglo XVII y mediados del siglo XVIII, alcanzando  diversas disciplinas como la arquitectura, la pintura, la música y la literatura y la característica que más de define es por la ornamentación excesiva.



"RENACIMIENTO"
En el Renacimiento vuelve a cobrar importancia la representación del cuerpo humano, en parte porque se vuelve a los modelos grecorromanos, en parte porque es una cultura antropocéntrica: El hombre es el centro del universo. Se estudia la anatomía para una mejor representación. El desnudo aparece tanto en temas religiosos como profanos.
Este periodo está lleno de grandes artistas de los que aquí sólo pretendemos darte un apunte.

En Italia, en el siglo XV Botticelli realizó desnudos dinámicos y muy simbólicos como en El nacimiento de Venus.
En el siglo XVI, artistas como Leonardo Da Vinci o Miguel Ángel realizaron profundos estudios de anatomía y diseñaron sus propios modelos de belleza. En el primero se aprecia un profundo realismo, en el segundo, la figura humana cobra un carácter divino, llena de pasión y de energía.
De ellos se conservan no sólo pinturas como La Gioconda de Leonardo o La Capilla Sixtina de Miguel Ángel en el Vaticano sino multitud de dibujos, apuntes y estudios anatómicos.
                    
EDAD MEDIA;


En la Edad Media, una época marcada por el cristianismo, el desnudo estaba principalmente representado en escenas de carácter religioso que lo justificaban. En cuanto a la representación, se pierde en naturalismo en favor de la estilización y el contenido simbólico. Importa más el mensaje que transmite la imagen que su parecido con la realidad.


                    "GRECIA Y ROMA"
      


              
Ya hemos insistido mucho en este tema sobre la importancia que los griegos daban a la búsqueda de la belleza en la figura humana mediante el estudio de las proporciones.
No se conserva mucho de la pintura griega, lo que más ha perdurado es la cerámica. En esta está presente el desnudo, tanto en escenas cotidianas como en escenas de carácter erótico.
Roma es heredera de la cultura griega, la diferencia es que se tiende más al naturalismo en sus representaciones. Las pinturas que se han conservado, muchas de ellas son frescos en Pompeya y Herculano, muestran el desnudo como una faceta más de la vida, con una clara tendencia al erotismo.